i colori stesi a fatica sulla tela lottando contro una superficie scabra e resistente, si inseguono in fughe e scale cromatiche che accennano ad una spirale, un risucchio dei vari aspetti del relae che porta verso centri oscuri e ignoti, verso un altrove immaginario.
Dipinto astratto, impressionismo informale, visibile presso lo studio di Ciro D'Alessio a Pozzuoli.
dipingo il mare di un paesaggio costiero, il mitico Scactiello di Bacoli, con le sue mille gradazioni cromatiche e riverberi incontrollabili, che ben rendono l' idea dell' incontenibile ricchezza della sensazione immediata, dell' essere esposti al sole, alla terra, all' Essere. Procedo a impasto alla prima su di una tela scabra, che cerca di sotacolare la stesura lineare e pulita del colore, ma da questa lotta tra gesto pittorico e superficie, nasce qualcosa di inaspettato che mi sembra vivo e vero.
Ciro D'Alessio
In questo dipinto a olio su tela, provo a tornare nel luogo dove sono nato e cresciuto. Marechiaro non è per me un paesaggio da cartolina, ma la mia radice, il luogo dove ho imparato a guardare il mondo tra i pescatori e il respiro del mare. Qui, ritraggo le barche a riposo non come oggetti inanimati, ma come presenze che abitano il grembo della natura.
Dipingere Marechiaro significa per me prestare ascolto alla dignità del dato sensibile. Invece di rifugiarmi in un'interiorità astratta, scelgo l'affermazione positiva del mondo esterno:
Lo Spatolato Materico: Le barche e l'acqua sono scolpite attraverso uno spatolato denso e vibrante. Non cerco la precisione del dettaglio, ma la forza dell'incontro tra la chiglia e l'onda.
Luce Mediterranea e Riflessi: Ho utilizzato colori vivaci per rendere la "confusione felice" tra lo scafo e il mare. I riflessi nell'acqua non sono copie sbiadite, ma presenze vive che dicono di sì alla vita nella sua immediatezza.
Prospettiva Atmosferica: Anche in un primo piano così ravvicinato, applico la prospettiva leonardesca per dare profondità all'aria salmastra che avvolge le imbarcazioni, creando quel senso di sacralità che appartiene alle cose umili.
Questo dipinto rappresenta la mia ricerca sull'uomo nudo e sull'essenziale. Le barche a riposo sono come l'uomo che smette di affannarsi nel sistema produttivo per ritrovare la propria verità nella calma del grembo materno della natura. È un atto di resistenza contro la frammentazione contemporanea: un invito a fermarsi e ad abitare il mondo con rispetto e stupore.
Nato nel mio studio a Pozzuoli, questo lavoro di pittura informale e astratto figurativo porta l'anima autentica di Napoli in ogni arredamento moderno. Per chi desidera acquistare quadri online in Campania o cerca dipinti mare Campania che sappiano narrare una storia di appartenenza e filosofia, questa veduta di Marechiaro è un approdo necessario.
n quest’opera, Marechiaro non è un luogo da descrivere, ma l'evento in cui l'Essere si porge al pittore. Superando la tradizione del vedutismo napoletano, il borgo si scompagina sotto i colpi di spatola, trasformandosi in una massa vibrante di luce mediterranea.
I punti chiave della mia ricerca:
Dalla Cartolina all'Ontologia: Non cerco il dettaglio geografico, ma la vibrazione cromatica. Il paesaggio diventa un'occasione per dipingere la nostra fondamentale esposizione al mondo.
Pittura come Evento: Come nel mio "Big Bang", qui la luce frammenta la materia. L’opera va letta per le sue scelte formali, come un astratto che "finge" di essere un paesaggio per rivelare un'energia universale.
Libertà Contemporanea: Una pittura consapevole che disattende il dettaglio per catturare l'energia che ci attraversa mentre guardiamo.
Il paesaggio oggi non è più un inventario di oggetti (alberi, case, mare), ma il teatro di una relazione. Se nell'Ottocento era la traccia di Dio e nel Novecento un pretesto formale, oggi il paesaggio contemporaneo è il luogo in cui proviamo a dipingere la nostra fondamentale esposizione al mondo.
Una pittura consapevole non ha più bisogno di competere con l'obiettivo fotografico. Essere contemporanei significa rivendicare la libertà di disattendere il dettaglio. Nel tuo lavoro su Gaeta o sul "Big Bang", la pittura non descrive un luogo specifico, ma ne coglie lo "stato di vibrazione". L'opera va letta come un astratto figurativo: la macchia di colore ha un'autonomia estetica propria, che precede e supera il soggetto rappresentato.
Ascoltare le vibrazioni cromatiche significa prestare ascolto all'Essere. Quando lo spatolato diventa così denso e vibrante da scompaginare la forma (come nei tuoi filari della Valle d'Illasi o nelle rocce di Gaeta), non stiamo più guardando una "veduta", ma stiamo partecipando all'accadere della luce. È l'apertura heideggeriana: l'uomo che non è separato dalla natura, ma è coessenziale ad essa.
Il paesaggio contemporaneo diventa così un Big Bang permanente. Ogni colpo di spatola è un tentativo (provo) di fermare non ciò che vediamo, ma l'energia che ci attraversa mentre guardiamo. Non è una cartolina del "qui e ora", ma una finestra sull'universale:
Non è ricerca del divino nella natura, ma ricerca dell'umano nella sua interezza.
Non è descrizione del fuori, ma espressione del legame tra l'interno (l'interiorità del pittore) e l'esterno (il mondo).
